穿越时空，一往而深，画家江宏、汪家芳、邵琦、邵仄炯谈书写之美

书法对于中国人到底代表了什么？

新年伊始，沪上老中青中国画家共话与书法的不解情缘。从提倡画家练书法谈起，是为推而广之，呼吁更多中国人拿起毛笔，体味中国书写之美，感悟中国传统文化的博大精深。

入心才能过目不忘，信笔由缰

江宏

书法笔法入画，使元代绘画，尤其是山水画，登上了一个新的高峰，在此之前的绘画，虽然灿烂辉煌，却因为没有书法的介入，笔法的丰富性和因笔法造成的画家个人的独特趣味，要略逊一筹。从明代开始，大画家十之八九是大书法家。而大书法家要拿起画笔，也十之八九可成为画坛的顶级人物。

书法对绘画的重要性，如鱼和水的关系；书法与画家更是难分难解，因为有了书法性的线条去塑造形象，画家的个性、学识、修养、情绪、心境都得以一一展现，造成画面形象的独特，可称之为“心象”。“心象”引领着画家不二的风格。

我的绘画生涯是从涂鸦开始，后来因为钻研绘画的关系，才逐步正规。这个正规无疑是传统。因此，对书法和绘画的关系，书法笔线对绘画的作用，应该是深谙其妙的。

然而，对书法的崇敬到达生畏的境地。怕依样画葫芦，怕亦步亦趋，既得不了古人又丧失自我。于是看帖替代了临帖。其实，这和我学习传统绘画如出一辙：只看不临，只揣摩，不动手。入心了，也就过目不忘了。

由于画画的缘故，对书法作品的字、行、篇的经营位置会倍加注意，它不啻是绘画构图绝佳榜样。我的绘画笔法，先是仗着对王羲之《兰亭序》的熟识，点划间无不是行书——优雅、洒脱型行书的趣味，因此，雅则雅矣，但缺少一种磅礴的气概。

大约六七年前，心血来潮，将写字当作晨练，写了两年的篆书。感觉画画的笔致硬朗起来了。朋友友情提示：你画里的线条流畅而有变化，尤其是长线条十分了得。以往赞美的话总如过眼云烟，这次却上心了：是呀！这等线条浪费可惜了，何不写点草书？晨练从篆书改草书了，信笔写来，真有一股骑马驰骋疆场的快感。如此，写草书便成了朝夕的功课，所谓初学三年，天下无敌；自认为敢睥睨天下书家了。又所谓再学三年，寸步难行；一冷静，坐了下来研究草书，还真是有大学问。

草书线条，草写的境界一入画，画风大变，变得沉着痛快了，变得不拘小节却又讲究小节了，变得能够随意摆布自己的情绪了，变得有点大气磅礴的模样了。

这就是书法给我带来的好处。

■ 小船撑出柳荫来 江宏

诗书画印一体方成中国画

汪家芳

画者书也，书者画也，诗者心也，印者思也。诗书画印一体，标志着中国文人画作为一门综合艺术所具备的修养之境界。

中国画在世界绘画艺术中可以说独树一帜。诗中有画，画中有诗。中国画借景而造，使之具有诗意。以书法为基础的“书画同源”的文人中国画也有着与文学、书法天然的血缘关系。宋元以降的中国画，在画面上无论题款还是用印，都构成有机的整体。故谓：中国画是诗书画印一体的综合艺术。晚清之后，众画家仍承旧学，深谙传统文化之底藴，格律诗词可谓了得的“诗书画印”兼善者不胜枚举，尤以“海派”画家影响着全国画坛。惜乎当下画坛，能书擅画者甚少，“三绝”“四绝”博通者更是近乎绝迹，是传统文脉不通？千载传承戛然而止？流风余韵止于书册之内？回望先贤，不禁感叹。向传统文化靠拢、重拾文化自信，或当从重拾书法做起。

■ 唐张继诗 汪家芳       

       从“某某画”到“某某写”

       邵琦

　　书法与绘画的关系是天然的。

　　从赵孟頫到董其昌，乃至晚明以来，看画的方式和看书法非常相似：一幅书法作品只要点画好、结体好、章法好，就是好的作品；至于写的是什么内容，相信大多数人在大多数时候是不关心的。同样，一幅画只要笔墨好、布局好，便是好作品，至于形象是否精准，大多数人在大多数时候也是不太计较的。以至于逐渐形成了这样一条不成文的、却又简单有效的评判标准：要知道一个画家的水平层次，只要看画上题的字就可以了。

　　如果说赵孟頫、董其昌是给书画关系作了定性判断，那么，近代书画大家陆俨少则为书画关系作了定量的要求：一个画家应该三分读书、三分写字、四分画画。书法对画家的重要性几乎和画画一样。

　　事实上，自宋元以来，能开一代风气的绘画大家，其书法也必是独具一格的。譬如元代的赵孟頫、倪瓒等，明代沈周、文徵明、徐渭、董其昌等，清代的恽寿平、八大山人、金农等，近代的赵之谦、吴昌硕、陆俨少、唐云等。不过，需要指出的是：他们的书画兼擅，不是分别精擅，而是合二而一。也就是将书法的线条用到画面中，于是，画家落款的时候，原来的“某某画”，变成了“某某写”——无论其画画用笔过程是否一如书法，但是，这种几成惯例的落款形式的背后，乃是对书法的用笔线条的臣服。

　　如果说早熟的书法对绘画的引领，使得绘画拥有可以超然于物象的“书写性”特征，那么，画家的书法也以其独特的“绘画性”回馈并丰富了书法多样性。这一点，无论是董其昌，还是八大山人，或者陆俨少，都是代表性的人物。

       ■ 唐裴迪诗 邵琦

       以线传神区别中西绘画

       邵仄炯

　　如果要问中国的绘画对世界艺术产生的最大贡献是什么？我觉得就是以书入画的艺术表现形式了。

　　回顾一下中国的艺术史。东晋时，中国出现了第一幅独立的绢本绘画作品——顾恺之的《洛神赋图》。从画面上看，无论人物、山水其技法仍处于初创期，中国画的真正成熟要到唐宋时期了。但东晋王羲之已经写出了天下第一行书《兰亭序》。从古体到今体，从文字到书体再到笔法，此时已达到全面成熟。由此我觉得，中国的书法早于绘画成熟。古拙、隽秀、险峻、平正的书法审美始终影响着绘画的品评与发展。

　　书画同源，不仅是审美基调的同源，还有最直接的原因就是工具的同源。中国画和书法的工具都是毛笔。无论毛笔笔锋的长与短、粗与细，万毫俱齐后都集中在一个点上，点的运行必然出现线条。书法是线的艺术，以线的抽象性表达空间、结构与气韵。同样中国画的第一造型语言也是线条，人物、花鸟画的白描，山水画的皴法，都是极具法度的线性绘画。线是最本质、最基础的中国画语言。比较一下西画的工具：油画笔多以扁平的刷子为主，扁平的形态其长处在于涂抹块面，所以西画用面塑形，中国画则以线来传神。工具类似与不同导致了艺术表现的差异与特色。如果忽视毛笔的特性与功能仅以毛笔代替刷子，那会使书画南辕北辙。

　　中国画的本性不在于再现客观的视觉真实，而是擅长主观的意象表现。画家从书写中找到了最为自由、最为朴素、最为直接的表达意象的方式。古人又说：“书为心画”，无论写的图像或是画的文字，其表达的意象都是作者的心性、情感以及对世界的感知。这又是书画同源的另一种体现。

■ 行书八言联 邵仄炯